viernes, 21 de agosto de 2015

Piano Alicia Keys - Completo 6,9 Gb - Samples Kontakt

librerias de Kontakt, Alicia Keys ha creado un piano virtual que cumple con sus estándares profesionales y encarna el sonido del alma que se ha convertido en su marca registrada como una superestrella. Este es el sonido de piano que ha ayudado a la señorita Keys ganar múltiples premios Grammy y llegar a la cima de las listas .para hacer esta libreria de Kontakt de Alicia Keys se tomaron muestras de su propia interpretación , grabado en el propio estudio del artista , bajo la supervisión de su ingeniero de confianza.
Las muestras de instrumentos provienen propio Yamaha C3 Neo ™ piano de Alicia Keys . Este único y altamente solicitados instrumento fue construido para celebrar el 100 aniversario de Yamaha en 2002 y representa la parte superior de la línea Colección Conservatorio . El exquisito y único sonido de la C3 Neo fueron capturados con esmero por Thomas Skarbye , Kontakt guión asistente Nils Liberg , y ganador del premio Grammy ingeniero Ann Mincieli - haciendo de este instrumento exclusivo al alcance de todos . Con micrófonos y preamplificadores de época y mediante el análisis detallado de tocar de Alicia , el equipo consiguió capturar el sonido cálido , conmovedor e inspirador de la C3 Neo todo el camino hasta los matices más finos .

Gran esfuerzo se puso a hacer KEYS Alicia lo más auténtico posible . Diseñado con una precisión increíble , y la incorporación de detalles sutiles, como los ruidos mecánicos de liberación , una resonancia simpática especialmente desarrollado y sistema de liberación , e incluso el sonido de los dedos golpeando las teclas ( opcional), este instrumento único ofrece un montón de realismo animado . Tanto , de hecho , que Alicia Keys ella misma lo utilizaron exclusivamente en su último álbum The Element of Freedom 

cubase suite 7 torrent por mega


Cubase 7, la aplicación de audio ideal para tu creatividad. Cubase 7 te permite grabar, editar y mezclar tus canciones como un músico, dándole un toque un profesional, la calidad de audio con calidad de estudio en todas las etapas del proceso creativo. Cubase 7 es ideal para:


Compositores.
Bandas.
Productores.
Compositores de Cine.
Productores de música electrónica.
Vocalistas.
Productores de Ritmo
Guitarristas.
Entre otros.
Cubase 7 ofrece una experiencia creativa inigualable, con nuevas mejoras que hacen de esta la aplicación de audio más inteligente y rápida.

CONSOLA DE MEZCLA

La nueva MixConsole destaca no sólo en términos de usabilidad, diseño y tacto, sino también en la calidad del sonido, nada suena mejor. Con el modo pantalla completa, escalabilidad total y rápido acceso en el lugar de los parámetros más relevantes para la tarea, MixConsole se ajusta perfectamente a las pantallas de portátiles y pantallas de gran escala.
Con su diseño de canales extremadamente flexible, el poder de procesamiento dedicado por canal, un tacto excepcional a los controles y herramientas integrales de automatización en línea y fuera de línea, MixConsole ofrece la calidad y la flexibilidad de enrutamiento de audio sin compromisos desde el primer momento


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8Dio - Claire Flute Virtuoso (Kontakt) torrent por mega


8DIO Claire Flauta Virtuoso KONTAKT | 4.89 Gb

Bienvenidos a nuestra nueva serie Virtuoso Viento Madera Claire producido por Emmy Sin Minated Compositor, Colin O'Malley. El viento de madera Serie Claire es una colección de profundidad muestreado de los mejores solistas de viento virtuoso jamás muestreados. Estos son instrumentos altamente jugables dispararon con verdadera emoción, esfuerzo y comportamiento equilibristic.
Nuestra Flauta Virtuoso es la flauta más expresivo, jugable y realista jamás muestreado. La Flauta Virtuoso fue grabado en una sala sinfónica y contiene tres posiciones de micrófono (Close, Decca, Ancho). El núcleo de la flauta es su sistema de legato muy avanzada, que contiene legato tanto lírica y fuerte. El sistema legato te permite jugar legato con arcos apasionados y sustenta. Grabamos arcos tanto con luz, medio y fuerte vibrato, para que pueda esculpir libremente el rendimiento de lo sutil a vibrante. Además también hemos añadido trinos, corre, staccattissimo, marcato y efectos aun no tonales como respiraciones, sonidos de válvulas y clic ruidos naturales etc.
Claire Flauta Virtuoso se basa en un sistema de legato altamente intuitiva, jugable y expresivo. Probamos una variedad de diferentes tipos de arcos expresivos que están todos conectados al sistema legato, por lo que puede ir entre sostener tipos que son suaves (p-mp) a fuerte (f-ff) o mantener los tipos con menos o más vibrato. Todas estas articulaciones se pueden conectar sin problemas, mientras que usted está jugando con nuestro sistema legato muy avanzada

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Ilya.Efimov.Modern.Bass.KONTAKT torrent por mega


Esta biblioteca es una emulación detallada de una alta gama de 5 cuerdas graves "estudio de encargo" de la famosa compañía canadiense F-Bass. Nos caracterizamos su sonido como la encarnación de un bajo fundamental profundo, junto con una excelente claridad. Se registraron 12 capas dinámicas para cada traste de cada cuerda con diferentes técnicas de juego y articulaciones.

Las técnicas de juego en un parche: dedos, palmada, articulaciones palma-mudos y adicionales - permiten editar fácil y rápidamente su notación midi o reproducir en tiempo real. Hemos minimizado los pulsadores de uso, por lo que el instrumento sencillo e intuitivo de usar. Un sofisticado algoritmo para seleccionar cadenas en tiempo real, selecciona automáticamente el bajo natural de la posición de la mano izquierda sobre el diapasón. Cadena manual y selección de posición están también disponibles.

Teclas de repetición de la biblioteca que sea fácil de jugar ostinato líneas de bajo realistas. Glissando FX le permitirá introducir nuevos "colores" musicales para tus bajos partes de guitarra. Múltiples tipos legato se cambian automáticamente en función de la primera nota tocada.

Incluye varios modos de Legato, el modo de cadena abierta, el modo de detección de acordes y el modo X-nota; para comodidad de los compositores y arreglistas!


Haz Click Aca >Ilya.Efimov.Modern.Bass.KONTAKT    3.36GB

8dio.zeus.drum.kontakt torrent por mega


uno de los mejores samples de bateria creados para kontakt muy completo ! se los recomiendo!


ZEUS Drummer es uno de los más completos kits de batería jamás muestreados y contiene más de 38.000 muestras.

ZEUS fue diseñado a la perfección por Taylor Larson (Oceanic Estudios / periferia) y contiene 10 posiciones de micrófono individuales para una mayor flexibilidad de mezcla final. Usted tiene micrófonos individuales para bombo, trampas, hi-hats, platillos, timbales y los gastos generales dedicada, sala y distorsión personalizado. La interfaz de usuario es muy intuitiva y flexible, por lo que los principiantes y los expertos pueden divertirse desde el primer momento.

ZEUS es la primera biblioteca para utilizar nuestra nueva tecnología de flujo nota. Uno de los retos con muestreo tímpano normal es que elementos como los sombreros y platillos pila artificialmente una sobre la otra. En realidad címbalo que no se acumula. Se silencia parcialmente cuando su golpe de nuevo, mientras que también lleva algún sonido del golpe anterior. Llamamos a este concepto de flujo Nota.
ZEUS contiene más de 38.000 muestras y 25.000 líneas de código personalizado que toman la jugabilidad y realismo al siguiente nivel.

ZEUS es alimentado por el potente motor de Kontakt lo que permite la máxima flexibilidad y una transmisión efectiva. ZEUS también contiene características para usuarios avanzados, incluyendo capacidad de elegir pr FX individual. posición del micrófono. Posibilidad de enviar cada canal de salida separado y herramientas de reasignación. Toda la interfaz de usuario ha sido diseñado en 3D y es increíble intuitivo de usar.

Pero lo más importante ZEUS simplemente funciona. Suena completamente real fuera de la caja y no toma un científico tambor o ingeniero espacial para operar. La tecnología de flujo nota hace todo lo conecte. El mezclador le permite marcar en su sonido deseado en segundos.
ZEUS se trata hiperrealista sonido - jugabilidad y facilidad de uso.

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sample modeling The Trumpet mega!









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miércoles, 19 de agosto de 2015

Descargar Kontakt 5.5.1 full Windows y Mac Mega Full




Kontakt 5.5.1 es el muestreador líder en la industria musical Kontakt 5.5.1 lleva 37 nuevos filtros, cuatro nuevos efectos de estudio, el tiempo de actualización de estiramiento, un nuevo sistema de autobuses de instrumentos y más. La plataforma esta puesta actualizada lo que nos permite manejar aún mejores instrumentos y sonidos de kontakt 5.

Para Descargar e instalar Kontakt 5 Full solo dale clic a cualquiera de los servidores y version de tu sistema operativo.

RESEÑA:
Kontakt presenta la nueva tecnología AET (Authentic Expression Technology). Con este adelanto, el comportamiento tonal de los instrumentos originales puede ser replicado de maneras altamente expresivas.

Esta tecnología permite la transformación, sin fisuras, entre las características de timbre de diferentes sonidos a través de una técnica de tipo Convolution de corrección de fase, basada en un análisis FFT de la muestra original.

Descargar Kontakt 5.5.1 full Windows  full po Mega
Descargar Kontakt 5.4.1 full Mac full por Mega.nz

CONTRASEÑA: produccion

domingo, 16 de agosto de 2015

Descargar librerias de Rock para fl studio, ableton, cubase mega


Agregue un poco de arena y suciedad a sus pistas de Rock con esta libreria de Rock Blues Guitar 1. Esta libreria de Rock cuenta con 149 loops de blues de guitarra de rock ásperas y listas en 9 kits de construcción, que van desde 83 hasta 140 BPM. Cada kit incluye mezclas húmedas y secas, y cuenta con guitarras rítmicas y varias pistas que pueden mezclarse y combinarse para adaptarse a sus proyectos.







CONTRASEÑA: produccion

Descargar librerias Epic Horn para Kontakt Mega



Te dejamos una libreria para Kontakt full conocida como 'Epic Horns' ya que trae bibliotecas de muestras de Cuernos Reales. Es un impresionante cuerpo de resonancia que no sólo cumple con el ideal sonoro de una orquesta teatral sino también cumple con los requisitos de poder usarlo para el cine moderno.

Características:
- Staccato con 4 Round Robin
- Original legato VSL en "p" y "f" con una mejor guión y Glisan
- Cambiar las articulaciones con rueda de modulación como el VSL original.
- Todo el instrumento se usa con una sola interfaz
- Trabaja en un solo canal midi
- La "velocidad" conductor tiene los midi aprenden función con el botón derecho del ratón para asignarlo a cualquier controlador del teclado o Daw.
- Guión para aumentar o disminuir la velocidad de las articulaciones como repeticiones
. ligado
. crescendo más plano
. piano forte del piano
. deslizamientoHaz Click Aca>
Descargar librerias Epic Horn para Kontakt

CONTRASEÑA RAR: produccion

sábado, 15 de agosto de 2015

Pro Tools 10.3.7 + Parche + KillerBugs MEGA



Pro Tools es una estación de trabajo de audio digital o EAD, una plataforma de grabación, edición y mezcla multipista de audio y midi, que integra hardware y software. Por sus altas prestaciones, es considerado el estándar de grabación, edición y mezcla en estudios profesionales y postproducción, usado mundialmente. Su alternativa libre más popular esArdour.
Puede funcionar como software independiente con la tarjeta de sonido que se quiera u operar usando conversores externos y tarjetas de audio internas PCI, PCI-X o PCIe ya estén equipadas con chips DSP o no (en el caso de la serie Native). También existe una versión externa de la serie Native que se conecta mediante una conexión Thunderbolt.
La empresa Avid (anteriormente bajo la denominación de DIGIDESIGN), es la desarrolladora del programa Pro Tools. Además elabora algunos de los mejores softwares y hardware de audio del mercado, por lo que su calidad y sólida fiabilidad son ampliamente reconocidos. Esto ha llevado a este potente software de producción musical y postproduccion audiovisual a convertirse en uno de los referentes de esta industria.
El estigma de Pro Tools era que sólo podía usarse con un hardware específico, y no admitía otras marcas, pero desde la versión 7 y tras la adquisición de M-audio por parte de Avid, se abrió el código del software para poder ser utilizado con interfaces de audio de la empresa M-Audio (anteriormente Midiman). Actualmente, desde la versión 9, admite hardware de cualquier marca siempre y cuando maneje el driver de tipo ASIO para los ordenadores de Microsoft y el driver CORE AUDIO para los Macintosh; así mismo, el resto de componentes de ambos ordenadores también tienen que ser compatibles. Para ello, podemos encontrar un listado de compatibilidades técnicas en la misma página web de AVID
haz click aca>Pro Tools 10.3.7 + Parche + KillerBugs

viernes, 14 de agosto de 2015

Descarga gratis librerias de Dubstep



Si usted está buscando librerías de Dubstep para crear nuevos sonidos de Dubstep inmortalizado recientemente por los gustos de Benga, Skream, Skrillex, Capsa o Entierro; entonces esta es la libreria de Dubstep que ha estado esperando.
Incluyen 255 Loops a 140 bpm y 145 One Shot muestras. Los productores también pueden esperar encontrar 60 listo para jugar parches para Reason NNXT, Halion, Kontakt, EXS y SFZ samplers suaves. Ableton Live, Reason Refill y Apple Loops versiones también están disponibles por separado.





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                                                                               Contraseña del rar : Produccion

Johann Sebastian Bach y la fascinante relación entre la música y las matemáticas

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Johann Sebastian Bach y la fascinante relación entre la música y las matemáticas
A 265 AÑOS DE LA MUERTE DE BACH, UNA EXPLORACIÓN DE LA SIMETRÍA DE SU MÚSICA









La relación entre la música y las matemáticas ha fascinado al pensamiento occidental desde la aparición de Pitágoras, el sabio de Samos que fue iniciado por los sacerdotes egipcios en los misterios del cosmos y quien creyó percibir un mismo patrón matemático, una armonía entre las estrellas y las cuerdas musicales. Un prototeorema, famosamente expresado en la frase “hay geometría en la vibración de las cuerdas, hay música en los espacios entre las esferas”.
Quizás el mejor representante de esta tradición matemático-musical es Johann Sebastian Bach, el músico barroco alemán que murió un día como hoy hace 265 años. Probablemente ningún músico haya innovado y aportado tanto a la música en síntesis, organización y maestría técnica que Bach. La música de Bach parece confirmar la idea platónica de que la belleza es orden, una imagen de los principios arquetípicos de la creación. Aunque en su época no se le reconoció tanto, Bach ha ido ganándose un respeto cardenal entre músicos; Beethoven llamó a Bach “el padre original de la armonía”, reconociendo la influencia contrapuntística del maestro.
En la última etapa de su vida Bach se interesó mucho por la simetría musical, creando una serie de acertijos o problema musicales para sus alumnos. Estos acertijos o puzzles están sobre todo presentes en sus cánones y fugas, los cuales debían ser descifrados para poder ser interpretados correctamente, por ello la inscripción de Quaerendo Invenietis (“Busca y deberás encontrar”) en su colección Ofrenda musical, BWV 1079, una de las grandes obras maestras de simetría musical y en la cual se revela la visión toral de Bach: la música es una ofrenda a la divinidad, y en ella la gloria divina se transparenta.

Descargar Adobe Audition 8 CC 2015 full Multilenguaje solo 64 bits





Grabar, editar y crear contenido de audio con amplio conjunto de herramientas es lo que te permite realizar Adobe Audition CC 8 2015, incluyendo la forma de onda, visualización espectral y multipista. Este potente programa de edición de sonido está diseñado para acelerar los flujos de trabajo de producción de audio y video y entregar los más altos estándares de calidad de audio.
Adobe Audition CC 8 2015 Características:
- Soporte Dolby Digital
- Canalización personalizada
- Entorno multipista mejorada
- Desempeño mejorado
- Sonido Remover
- Preview Editor
- UIT sonoridad medición
- Edición de Pantalla espectral mejorada
- sonido avanzada herramientas de diseño
- Audio Finesse mejoras de flujo de trabajo
- Favoritos editables acciones
- La arquitectura de 64 bits

Requisitos Del Sistema:
- Intel® Core ™ 2 Duo o AMD Phenom® II
- Microsoft® Windows® 7 con Service Pack 1 (64 bits), Windows 8 (64 bits) o Windows 8.1 (64 bits)
- 2 GB de RAM
- 2 GB de espacio disponible en disco duro para la instalación; además de espacio libre adicional durante la instalación (no se puede instalar en dispositivos de almacenamiento flash extraíbles)
- Pantalla 1280x800
- OpenGL 2.0 con capacidad de sistema
- Tarjeta de sonido compatible con el protocolo ASIO, WASAPI o Microsoft WDM / MME
- Interfaz USB y / o interfaz MIDI pueden ser necesarios para el soporte de superficie de control externo (consulte las especificaciones del fabricante para el dispositivo)
- Opcional: Unidad óptica para la grabación de CD
- Conexión a Internet y registro son necesarios para la activación del software requerido, la validación de las suscripciones, y el acceso a servicios en línea.
CONTRASEÑA DEL Rar: produccion


Haz Click Aca>Descargar Adobe Audition 8 CC 2015 full Multilenguaje

Descargar Native Instruments Komplete 8 Full 180 GB + Crack en Utorrent




KONTAKT 5 PLAYER es el reproductor de samples gratuito basado en la premiada tecnología KONTAKT. Expandiendo las posibilidades de su exitoso predecesor, el KONTAKT 5 PLAYER hace posible el uso de instrumentos innovadores y muy reproducibles dejando atrás cualquier limitación tecnológica y musical. Gracias a la Kontakt Script Processing, obtienes una funcionalidad y musicalidad sin precedentes.



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Adagio 8dio Violins Vol I FULL TORRENT




Que puedo decir! tremendo programa el mejor de su clase con mas de 50.000 sonidos reales y mas de 4500 frases de solo su tamaño lo dice un grande 23.5gb  en su volumen I

Haz Click Aca>8dio adagio violins

Miroslav Philharmonik full! torrent


K Multimedia y Sonic Reality adquirieron Miroslav Philharmonik Classic Edition, incluyendo la colección completa legendario Miroslav Orquesta y Coro de la muestra, así como una alta resolución de archivo inédito de muestras orquestales y vocales. Miroslav Philharmonik es una potente estación de trabajo integrada Orchestral plug-in de la combinación de las obras maestras de recogida de muestras Miroslav orquestas y coro con un instrumento plug-in específico adaptado específicamente hacia los sonidos y arreglos clásicos.
Características:
* 16 de parte de varios timbres de la muestra basada en la estación de trabajo orquestal.
* Más de 500 orquestales sonidos, combis y presets.
* Incluye efectos DSP clásicos - 4 por instrumento.
* Múltiples motores de sintetizador incluyendo STRETCH y cambio de tono / Timestretch.
* Vista Mix permite el control completo de parámetros de mezcla.
* parámetros orientados a la música clásica que sea fácil de usar.
* La línea de Zona para la edición de la muestra de forma precisa.
* Control total MIDI de los parámetros de rendimiento.
* Preestablecido Parte y funciones de personalización predefinidas combi.
* Respaldar Conveniente para arriba la función.
* Palabras clave personalizables y función de búsqueda de sonido con bases de datos de sonido e instrumentos imágenes integradas.
* 256 notas de polifonía.

Haz Click Aca>Miroslav Philharmonik full! torrent

que es el cubase descarga e instalacion

jueves, 13 de agosto de 2015

MIDIS De Dragonball Z y Dragonball GT











haz Click aqui >dragon ball Blue Vevet
haz Click aqui > Dragon ball Cha la head cha la
haz Click aqui >dont you see
haz Click aqui >Fusion                     
haz Click aqui >Tapion Theme
haz Click aqui >Trunks Theme
haz Click aqui >We gotta power
haz Click aqui >we we are angels

miércoles, 12 de agosto de 2015

metodo de guitarra de Ferdinando Carulli

Ferdinando Carulli


Su éxito se basó en que fue el primer guitarrista que creó escuela y que utilizó este instrumento para ejecuciones artísticas. Entre sus trabajos, el más famoso y que contiene muchas piezas de fácil ejecución es su método "Armonía Aplicada a la Guitarra" de 1825, una serie de piezas aplicadas a la enseñanza que todavía hoy son vigentes.

Haz click aqui para descargar>Metodo Completo
Haz click aqui para descargar>Metodo de estudio de Carulli

Afinador para pc descargar e instalar

metodo para guitarra emilio pujol

Emilio Pujol


Nació en Granadella, España. Empezó sus estudios con Francisco Tárrega.
Sobrevivió a los duros años post guerra y hasta su muerte, gracias a la gran reputación que tenía como teórico y técnico de la guitarra española en toda Europa gracias a alumnos suyos Alemanes, Holandeses, Franceses e Ingleses que le visitaban y cuyas aportaciones económicas contribuyeron a que no muriese en la miseria.
Has Click Aca >Tomo I
Has Click Aca >Tomo II
Has Click Aca >Tomo III
 Has Click Aca >Tomo IV

que es el pre sonus studio one 2 y como instalar

metodo de mario rodrigues arenas para guitarra 7 tomos pdf

Mario Rodriguez Arenas



En 1930 había publicado más de 220 piezas:
folclóricas argentinas, Chopin , Schumann , 
Mendelssohn , Grieg y Haendel;  fragmentos, 
y sus libros de método con las obras de Sor, 
Aguado, Coste, Cano y Tarrega, llamados "
La Escuela de la Guitarra" en 7 tomos.
Haz Click Aca >Tomo I
Haz Click Aca > Tomo II
Haz Click Aca > Tomo III
Haz Click Aca > Tomo IV
Haz Click Aca > Tomo V
Haz Click Aca > Tomo VI
Haz Click Aca > Tomo VII











como descargar e instalar Fl Studio 12

metodo de guitarra antonio cano

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Clinica de guitarra electrica mauro david caponi en pdf

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domingo, 9 de agosto de 2015

You've Got a Friend in Me (Toy Story) para orquesta de flauta












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El Romanticismo( Periodo Musical)

Me he tomado la libertad y te invito a conocer mas sobre el periodo romantico musical




Música del Romanticismo:
Romanticismo fue un periodo que transcurrió, aproximadamente, entre principios de los años 1820 y la primera década del siglo XX, y suele englobar toda la música escrita de acuerdo a las normas y formas de dicho período. El romanticismo musical es un período de la música académica que fue precedido por el Clasicismo y continuado por el Impresionismo.
El Romanticismo musical está relacionado con el Romanticismo, la corriente de cambios en Literatura, Bellas Artes y Filosofía, aunque suele haber ligeras diferencias temporales, dado que el Romanticismo en aquellas Artes y en la Filosofía se suele reconocer entre los años 1780 y1840. El Romanticismo como movimiento global en las Artes y la Filosofía, tiene como precepto que la verdad no podía ser deducida a partir de axiomas, en el mundo había realidades inevitables que sólo se podía captar mediante la emoción, el sentimiento y la intuición. La música del Romanticismo intentaba expresar estas emociones.
El término música romántica, que podría confundirse con la Música del Romanticismo, se entiende como toda música suave o con una atmósfera ensoñadora (no siempre ha de ser así). Ese término podría relacionarse con la palabra romántico que se estableció durante el Romanticismo, pero no toda la música del Romanticismo cumple con estas características. Del mismo modo, no toda la música romántica se puede relacionar con el período romántico

Historia del romanticismo
]Influencias extramusicales
La controversia se inició en los años 1830 cuando Hector Berlioz compuso su Sinfonía fantástica, que se presentó acompañada de extenso texto que describía el programa de la sinfonía, lo que causó que muchos críticos y académicos opinaran sobre el tema en sí. Entre los primeros detractores se encontraba François-Joseph Fétis, director del recién creadoConservatorio Real de Bruselas, que declaró que la obra "no era música".
Robert Schumann defendió la obra, pero no el programa, argumentando que la buena música no podía verse afectada por malos títulos, pero que los buenos títulos no servían para salvar una mala obra. Franz Liszt fue uno de los defensores de la inspiración extra-musical.
A medida que pasó el tiempo las diferencias aumentaron, con polémicas azuzadas por ambos bandos. Para aquellos que creían en la música "absoluta", la perfección formal descansaba en la expresión musical que respetaba los esquemas trazados en obras previas, sobre todo en la forma sonata que ya había sido codificada. Para los impulsores de la música de programa, la expresión rapsódica de la poesía o cualquier otro texto externo, era, en sí mismo, una forma. Argumentaban que al involucrar la vida del artista en la obra sería necesario seguir el curso de la narración. Tanto unos como otros citaban a Beethoven como fuente de inspiración y justificación. Esta disputa se resumió como el conflicto entre los seguidores de Johannes Brahms y Richard Wagner: Brahms era considerado el pináculo de la música absoluta, sin textos o referencias externas, y Wagner, el predicador de la poesía como proveedora de forma armónica y melódica para la música.
Las causas que provocaron esta controversia son complejas. Una de estas causas fue, indudablemente, la importancia creciente de la poesía romántica, así como un interés creciente por canciones que pudieran ser interpretadas en conciertos o en casa. También se ha mencionado la naturaleza misma de los conciertos, que pasaron de ser presentaciones de una amplia variedad de obras, a ser mucho más especializados, lo cual aumentó la demanda de obras instrumentales con mayor expresividad y especificidad.
Algunos ejemplos notables de inspiración extra-musical los encontramos en la sinfonía Fausto, sinfonía Dante, y varios poemas sinfónicos de Liszt; la sinfonía Manfredo deTchaikovski; la primera sinfonía de Gustav Mahler; y el Carnaval de los animales de Camille Saint-Saëns. Por otro lado, compositores como Schubert utilizaron melodías de canciones en obras más extensas, y otros, como Liszt, transcribieron arias de ópera o canciones en obras puramente orquestales.
Ópera romántica (1800–1924)
En la ópera se tendió a relajar, romper o mezclar entre sí, las formas establecidas en el barroco o el clasicismo. Este proceso alcanzó su apogeo con las óperas de Wagner, en las cuales las arias, coros, recitativos y piezas de conjunto, son difíciles de distinguir. Por el contrario, se busca un continuo fluir de la música.
También ocurrieron otros cambios. Los castrati desaparecieron y por tanto los tenores adquirieron roles más heroicos, y los coros se tornaron más importantes. A finales del período romántico, el verismo se popularizó en Italia, retratando en la ópera escenas realistas, más que históricas o mitológicas. En Francia la tendencia también se acogió, y quedaron ejemplos populares como Carmen de Bizet.
Muchos compositores del romanticismo, a partir de la segunda mitad del siglo XIX, escribieron música nacionalista, que tenía alguna conexión particular con su país. Esto se manifestó de varias maneras. Los temas de las óperas de Mikhail Glinka, por ejemplo, son específicamente rusos, mientras que Bedřich Smetana y Antonín Dvořák utilizaron ritmos y temas de las danzas y canciones populares checas. A finales del siglo XIX, Jean Sibelius escribió Kullervo, música basada en la épica finlandesa (la Kalevala) y su pieza Finlandia se convirtió en un símbolo del nacionalismo finés.
Instrumentación y escala
Como en otros períodos, la instrumentación se adaptó a los requerimientos musicales del período. Compositores como Hector Berlioz orquestaron sus obras de una forma nunca antes escuchada, dándole una nueva prominencia a los instrumentos de viento. El tamaño de la orquesta estándar aumentó, y se incluyeron instrumentos tales como el piccolo ycorno inglés, que antes se utilizaban muy ocasionalmente. Mahler escribió su octava sinfonía, conocida como la Sinfonía de los miles, por la masa orquestal y coral que se requiere para interpretarla.
Además de necesitar una orquesta más grande, las obras del romanticismo se tornaron más largas. Una sinfonía típica de Haydn o Mozart, compositores del clasicismo, puede durar aproximadamente veinte o veinticinco minutos. Ya la tercera sinfonía de Beethoven, que se suele considerar como del romanticismo inicial, dura alrededor de cuarenta y cinco minutos. Y esta tendencia creció notablemente en las sinfonías de Anton Bruckner y alcanzó sus cotas máximas en el caso de Mahler, con sinfonías que tienen una hora de duración (como es el caso de la primera y la cuarta) hasta sinfonías que duran más de una hora y media (como la segunda, tercera o novena).
Por otro lado, en el romanticismo creció la importancia del instrumentista virtuoso. El violinista Niccolò Paganini fue una de las estrellas musicales de principios del siglo XIX. Liszt, además de ser un notable compositor, fue también un virtuoso del piano, muy popular. Durante las interpretaciones de los virtuosos, solían destacar más ellos que la música que estaban interpretando.
Estos son algunos de los instrumentos que aparecen en el romanticismo:
VIENTO
Contrafagot: Especie de fagot de grandes dimensiones, cuyos sonidos se producen a la octava grave del fagot ordinario.
Saxofón: Instrumento de viento compuesto de un tubo cónico de metal encorvado en forma de U, con varias llaves y una boquilla de madera y caña. Los hay de varios tamaños.
Corno inglés: Instrumento de viento, más grande y de sonido más grave que el oboe.
Tuba: Instrumento de viento de grandes proporciones y de sonoridad voluminosa y grave.
TECLADO
Piano: Aunque ya existía en el Clasicismo, el piano es el gran instrumento del romanticismo. Permite la mayor expresividad a los compositores, que son, además, virtuosos del instrumento. Tiene capacidad dinámica amplia y una gran riqueza sonora. Casi todos los compositores románticos van a ser también excelentes pianistas.
Armonio: Instrumento de teclado. Sustituye al órgano en música religiosa. Su elemento sonoro es un juego de lengüetas que se ponen en vibración insuflando aire mediante un fuelle de pedal. Su extensión es de unas cinco octavas.
PERCUSIÓN
Vibráfono: Especie de xilófono construido a base de placas de metal, cada una de las cuales posee un tubo que hace de caja de resonancia. Su uso es normal en la orquesta sinfónica.
Breve cronología
Las raíces clásicas del romanticismo (1780–1815)
En literatura, se suele decir que el romanticismo se inició en los años 1770 ó 1780, con el movimiento alemán llamado Sturm und Drang. Fue principalmente influenciado por Shakespeare, las sagas folkclóricas, reales o ficticias, y por la poesía de Homero. Escritores como Goethe o Schiller, cambiaron radicalmente sus prácticas, mientras en EscociaRobert Burns transcribía la poesía de las canciones populares. Este movimiento literario se reflejó de varias maneras en la música del período clásico, incluyendo la obra de Mozart en la ópera alemana, la elección de las canciones y melodías que se utilizarían en trabajos comerciales, y en el incremento gradual de la violencia en la expresión artística. Sin embargo, la habilidad o interés de la mayoría de los compositores para adherirse al "romanticismo y la revolución" estaba limitada por su dependencia a las cortes reales. Ejemplo de ello es la historia del estreno de Le nozze di Figaro de Mozart, que fue censurada por ser revolucionaria.
Incluso en términos puramente musicales, el romanticismo tomó su substancia fundamental de la estructura de la práctica clásica. En este período se incrementaron los estándares de composición e interpretación, y se crearon formas y conjuntos estándar de músicos. Sin faltar a la razón, E.T.A. Hoffmann llamó "tres compositores románticos" a Haydn, Mozart y Beethoven. Una de las corrientes internas más importantes del clasicismo es el rol del cromatismo y la ambigüedad armónica. Todos los compositores clásicos más importantes utilizaron la ambigüedad armónica y la técnica de moverse rápidamente entre distintas tonalidades sin establecer una verdadera tonalidad. Uno de los ejemplos más conocidos de ese caos armónico se encuentra al principio de La Creación de Haydn. Sin embargo, en todas estas excursiones la tensión se basaba en secciones articuladas, un movimiento hacia la dominante o la relativa mayor, y una transparencia de la textura.
Para los años 1810 se habían combinado la utilización del cromatismo y la tonalidad menor, el deseo de moverse a más tonalidades para lograr un rango más amplio de música, y la necesidad de un mayor alcance operístico. Mientras Beethoven fue tenido luego como la figura central de movimiento, compositores como Muzio Clementi o Louis Spohrrepresentaban mejor el gusto de la época de incorporar más notas cromáticas en su material temático. La tensión entre el deseo de más color y el deseo clásico de mantener la estructura, conllevó a una crisis musical. Una respuesta fue moverse hacia la ópera, donde el texto podía otorgar una estructura incluso cuando no hubiera modelos formales. ETA Hoffman, conocido actualmente más por sus críticas musicales, presentó con su ópera Undine (1814) una innovación musical radical. (No confundir con la de Tchaikovski de 1869). Otra respuesta a esta crisis se obtuvo mediante la utilización de formas más cortas, incluyendo algunas novedosas como el nocturno, donde la intensidad armónica en sí misma era suficiente para mover la música adelante.
Romanticismo temprano (1815–1850)
En la segunda década del siglo XIX, el cambio a nuevas fuentes para la música, junto a un uso más acentuado del cromatismo en las melodías y la necesidad de más expresividad armónica, produjeron un cambio estilístico palpable. Las razones que motivaron este cambio no fueron meramente musicales, sino también económicas, políticas y sociales. El escenario estaba preparado para una nueva generación de compositores que podía hablarle al nuevo ambiente europeo post-napoleónico.
En el primer grupo de compositores se suele agrupar a Beethoven, Louis Spohr, E. T. A. Hoffmann, Carl Maria von Weber y Franz Schubert. Estos compositores crecieron en medio de la dramática expansión de la vida concertística de finales del siglo XVIII y principios del XIX, y esto le dio forma a sus estilos y expectativas. Muchos saludaron a Beethoven como el modelo a seguir, o al menos a aspirar. Las melodías cromáticas de Muzio Clementi y las óperas de Rossini, Cherubini y Mehul, también ejercieron cierta influencia. Al mismo tiempo, la composición de canciones para voz y piano sobre poemas populares, para satisfacer la demanda de un creciente mercado de hogares de clase media, fue una nueva e importante fuente de entradas económicas para los compositores.
Los trabajos más importantes de esta ola de compositores románticos fueron quizás los ciclos de canciones y las sinfonías de Schubert, las óperas de Weber, especialmenteOberon, Der Freischütz y Euryanthe. Para la época, las obras de Schubert sólo se interpretaron ante audiencias limitadas y sólo pudieron ejercer un impacto notable gradualmente. Por el contrario, las obras de John Field se conocieron rápidamente, en parte debido a que era capaz de componer pequeñas y "características" obras para piano y danzas.
La siguiente cohorte de compositores románticos incluye a Franz Liszt, Felix Mendelssohn, Frédéric Chopin y Hector Berlioz. Ellos nacieron en el siglo XIX e iniciaron pronto la producción de composiciones de gran valor. Mendelssohn fue particularmente precoz, escribiendo sus primeros cuartetos, un octeto para cuerdas y música orquestal antes de cumplir los veinte años. Chopin se abocó a la música para piano, incluyendo etudes (estudios) y dos conciertos para piano. Berlioz compondría la primera sinfonía notable luego de la muerte de Beethoven, la mencionada Sinfonía fantástica. Liszt compuso música orquestal, pero es conocido por innovar en la técnica del piano, sus estudios trascendentales están entre las obras que requieren mayor virtuosismo.
Al mismo tiempo se estableció lo que ahora se conoce como "ópera romántica", con una fuerte conexión entre París y el norte de Italia. La combinación del virtuosismo orquestal francés, las líneas vocales y poder dramático italianos, junto a libretos que se basaban en la literatura popular, establecieron las normas que continúan dominando la escena operística. Las obras de Vincenzo Bellini y Gaetano Donizetti fueron inmensamente populares en esta época.
Un aspecto importante de este parte del romanticismo fue la amplia popularidad alcanzada por los conciertos para piano (o "recitales", como los llamaba Franz Liszt), que incluían improvisaciones de temas populares, piezas cortas y otras más largas, tales como las sonatas de Beethoven o Mozart. Una de los exponentes más notables de las obras de Beethoven fue Clara Wieck, que luego se casaría con Robert Schumann. Las nuevas facilidades para viajar que se ofrecían en la época, gracias al tren y luego al vapor, permitieron que surgieran grupos internacionales de fanáticos de pianistas virtuosos, como Liszt, Chopin y Thalberg. Estos conciertos se transformaron en eventos por sí mismos. Niccolò Paganini, famoso virtuoso del violín, fue pionero de este fenómeno.
Entre finales de los años 1830 y los años 1840, los frutos de esta generación fueron presentados al público, como por ejemplo las obras de Robert Schumann, Giacomo Meyerbeer y el joven Giuseppe Verdi. Es importante notar que el romanticismo no era el único, y ni siquiera el más importante, género musical de la época, ya que los programas de los conciertos estaban en gran medida dominados por un género post-clásico, ejemplificado por el Conservatorio de París, así como la música cortesana. Esto comenzó a cambiar con el auge de ciertas instituciones, tales como las orquestas sinfónicas con temporadas regulares, una moda que promovió el mismo Felix Mendelssohn.
Fue en este momento cuando Richard Wagner produjo su primera ópera exitosa, e inició su búsqueda de nuevas formas para expandir el concepto de los "dramas musicales". Wagner gustaba llamarse a sí mismo revolucionario, y tenía constantes problemas con sus prestamistas y con las autoridades; al mismo tiempo se rodeó de un círculo de músicos con ideas parecidas, como Franz Liszt, con quienes se dedicó a crear la "música del futuro".
Suele indicarse que el romanticismo literario terminó en 1848, con las revoluciones que ocurrieron ese año y que marcaron un hito en la historia de Europa, o al menos en la percepción de las fronteras del arte y la música. Con el advenimiento de la ideología "realista", y la muerte de figuras como Paganini, Mendelssohn y Schumann, y el retiro de Liszt de los escenarios, apareció una nueva generación de músicos. Algunos argumentan que esta generación debería llamarse victorianos más que románticos. De hecho, los años finales del siglo XIX suelen describirse como romanticismo tardío.
Romanticismo tardío (1850–1910)
Al llegar a la segunda mitad del siglo XIX, muchos de los cambios sociales, políticos y económicos que se iniciaron en la era post-napoleónica, se afirmaron. El telégrafo y las vías ferroviarias unieron a Europa mucho más. El nacionalismo, que fue una de las fuentes más importantes del principio de siglo, se formalizó en elementos políticos y lingüísticos. La literatura que tenía como audiencia la clase media, se convirtió en el objetivo principal de la publicación de libros, incluyendo el ascenso de la novela como la principal forma literaria.
Muchas de las figuras de la primera mitad del siglo XIX se habían retirado o habían muerto. Muchos otros siguieron otros caminos, aprovechando una mayor regularidad en la vida concertística, y recursos financieros y técnicos disponibles. En los anteriores cincuenta años, muchas innovaciones en la instrumentación, incluyendo el piano de acción de doble escape ("double escarpment"), los instrumentos de viento con válvulas, y la barbada ("rest chin") de los violines y violas, pasaron de ser algo novedoso a estándar. El incremento de la educación musical sirvió para crear un público más amplio para la música para piano y los conciertos de música más sofisticados. Con la fundación de conservatorios y universidades se abrió la posibilidad a los músicos de hacer carreras estables como profesores, en vez de ser empresarios que dependían de sus propios recursos. La suma de estos cambios puede verse en la titánica ola de sinfonías, conciertos, y poemas sinfónicos que fueron creados, y la expansión de las temporadas de óperas de muchas ciudades y países, como París, Londres o Italia.
El período romántico tardío también vio el auge de los géneros llamados "nacionalistas" que estaban asociados con la música popular (folclórica) y la poesía de determinados países. La noción de música alemana o italiana, ya estaba largamente establecida en la historia de la música, pero a partir de finales del siglo XIX se crearon los subgéneros ruso (Mijaíl Glinka, Músorgski, Rimski-Kórsakov, Chaikovski y Borodin); checo, finlandés y francés. Muchos compositores fueron expresamente nacionalistas en sus objetivos, buscando componer ópera o música asociada con la lengua y cultura de sus tierras de origen.*
Posromanticismo (1870–1949)
Se puede considerar un movimiento de finales del siglo XIX y principios del XX que se diferencia del Romanticismo por la exuberancia orquestal y la desmesura en los desarrollos sinfónicos, también se caracteriza por un intenso cromatismo que supera a Richard Wagner y acaba en la atonalidad. En los compositores postrománticos se observa la melancolía que les produce la pérdida de la cultura romántica.
Los compositores más representativos de este estilo fueron Gustav Mahler y Richard Strauss
Romanticismo en el siglo XX (1901, en adelante)
Muchos de los compositores que nacieron en el siglo XIX y continuaron componiendo ya entrado el siglo XX, utilizaron formas que estaban en clara conexión con la era musical previa, incluyendo a Sergei Rachmaninoff, Giacomo Puccini, Richard Strauss y Kurt Atterberg. Por otro lado, muchos de los compositores que luego fueron identificados como modernistas, escribieron en sus inicios obras con un marcado estilo romántico, como por ejemplo Igor Stravinsky (es notable su ballet El pájaro de fuego), Arnold Schoenberg (Gurrelieder), y Béla Bartók (El castillo de Barba Azul). Pero el vocabulario y la estructura musical de finales del siglo XIX no se quedó allí; Ralph Vaughan Williams, Erich Korngold, Berthold Goldschmidty Sergéi Prokófiev continuaron este género de composición más allá de 1950.
Aunque algunas nuevas tendencias como el neoclasicismo o la música atonal, cuestionaron la preeminencia del género romántico, el interés por utilizar un vocabulario cromático centrado en la tonalidad, siguió presente en las obras más importantes. Samuel Barber, Benjamin Britten, Gustav Holst, Dmitri Shostakóvich, Malcolm Arnold y Arnold Bax, aunque se consideraban a sí mismos compositores modernos y contemporáneos, mostraron frecuentemente tendencias románticas en sus obras.
El romanticismo alcanzó un nadir retórico y artístico alrededor de 1960: todo indicaba que el futuro estaría formado por géneros de composición avant garde o con algún tipo de elementos neo-clásicos. Mientras Hindemith regresaba a estilos más reconocibles en sus raíces románticas, muchos compositores se movieron en otras direcciones. Parecía que sólo en la URSS o China, donde había una jerarquía académica conservadora, el romanticismo tenía un lugar. Sin embargo, a finales de 1960 se inició un revival de la música que tenía una superficie romántica. Compositores como George Rochberg pasaron de la música serial a modelos basados en Gustav Mahler, un proyecto en el que estuvo acompañado de otros como Nicholas Maw y David Del Tredici. Este movimiento se suele denominar neorromanticismo, e incluye obras tales como la Primera sinfonía de John Corigliano.
Otra área donde el género romántico ha sobrevivido, e incluso ha florecido, es en las bandas sonoras. Muchos de los primeros emigrantes que escapaban de la Alemania nazi fueron compositores judíos que habían estudiado con Mahler o sus discípulos en Viena. La partitura de la película Lo que el viento se llevó del compositor Max Steiner, es un ejemplo del uso de los leitmotivs wagnerianos y la orquestación mahleriana. La música de los filmes de la Era dorada de Hollywood fue compuesta en gran medida por Korngold y Steiner, así comoFranz Waxman y Alfred Newman. La siguiente generación de compositores para el cine, compuesta por Alexander North, John Williams, y Elmer Bernstein se basó en esta tradición en la composición de la música orquestal para cine más familiar de finales del siglo XX.
Formas musicales del Romanticismo
Las principales formas musicales del Romanticismo son las siguientes:
Preludio. Pieza en un solo tiempo, de corta duración y con características de virtuosismo, escrita principalmente para piano.
Bagatela. Composición corta para piano y sin ninguna pretensión.
Estudio. Obra breve de restringido material temático, en donde un motivo va adquiriendo cada vez mayor dificultad.
Impromptu. Obra no sujeta a ninguna norma y en la que el ejecutante tiene libertad de improvisación.
Nocturno. Composición de carácter apacible y sentimental con una delicada y expresiva línea melódica.
Lied. Canción culta, refinada, íntima y de sugerencias líricas.
Sinfonía y concierto. La sinfonía y el concierto se desarrollaron y se adaptaron a los ideales románticos.
El primer sinfonista romántico fue Beethoven. Los compositores románticos posteriores estuvieron influidos por el esquema formal que dio Beethoven a la sinfonía.
Música programática. Tuvo gran importancia este tipo de música sinfónica que pretende expresar una idea, historia, etc., y comunicarla al oyente por medio de un programa que sirve de argumento. La música programática dio origen al poema sinfónico.
Poema sinfónico. Obra de un solo movimiento en el que se desarrolla musicalmente un argumento. Es la gran forma romántica, que establece una unión entre la poesía y la música.

LOS 5 MEJORES DEPORTES PARA EL MÚSICO

sofa ymanta
Hacer deporte es beneficioso e importante para cualquier persona, se dedique a lo que se dedique. Para un músico, el deporte es esencial. Tocar un instrumento es una actividad física de por sí, pero si nuestros músculos no están lo suficientemente tonificados, las lesiones no tardarán en aparecer. Y si no os convencéis, echadle un ojo a este artículo El esfuerzo cardiaco de un músico en un concierto es igual al de un deportista de élite . Un futbolista no sólo entrena jugando al fútbol, no sólo trabaja para mejorar su técnica. Trabaja su musculatura y su resistencia, y además calienta.
En esta entrada de hoy te presentamos los 5 mejores deportes que un músico puede practicar minimizando el riesgo de sufrir una lesión.
1. Natación – Está claro que es uno de los deportes más completos. No necesitas ser un experto nadador, no importa tu edad y trabajarás prácticamente con todo el cuerpo. Además, comparado con otros deportes, implica más esfuerzo, con lo que consigues más resultados en menos tiempo. Entre sus beneficios figuran: mayor movilidad y elasticidad, ejercitación de las articulaciones, mejora el sistema cardiorespiratorio, elimina dolores de espalda, mejora la circulación, te relaja. Para mejorar tu postura, te recomendamos nadar de espaldas.
2. Pilates – El Pilates es un ejercicio orientado a trabajar la relación de la mente con el cuerpo, centrándose en la respiración y la alineación de la columna. Permite eliminar malos hábitos posturales, aumenta la flexibilidad y mejora la movilidad de las articulaciones. Sus beneficios son muy parecidos a los del yoga, pero el Pilates es más fácil de practicar.
3. Yoga – Esta disciplina es ideal para un músico. No sólo fortalece y relaja la musculatura. Puede ayudar a despejar la mente, a controlar tus movimientos y a identificar cuándo estás tenso y corregirlo. El yoga se basa en la observación de la postura, el papel de cada músculo en las asanas (posturas de yoga), el control de la respiración junto a los movimientos… ¿os suena de algo? Efectivamente, cosas en las que a veces necesitamos concentrarnos para tocar el instrumento. Aunque algunas asanas precisan de cierta flexibilidad, no es necesario que seas una bailarina de ballet para practicarlo. Atrévete y podrás comprobarlo por ti mismo.
4. Runnig – O salir a correr. Deporte barato donde los haya y que además se está poniendo muy de moda. Con salir tres veces en semana ya notarás sus beneficios. Especialmente cardiorespiratorios. Mejora la postura, despeja la mente y tonifica todo el cuerpo, aunque pienses que sólo mueves las piernas. Es un ejercicio muy beneficioso para articulaciones y tendones, manteniéndolos útiles.
5. Pádel – Estar pendiente del compañero, ayudarse y crear compenetración es algo que se puede aprender. Por ello, a los beneficios físicos del Pádel se le suman los beneficios del deporte en equipo. Además, es más sencillo que el Tenis y menos “peligroso” que otros deportes de pelota /balón, que podrían provocar que nos lesionásemos unas semanas.
Cualquier deporte que te guste es bueno para tu salud y la de tu carrera como profesional de la música. Patinar, ciclismo, fútbol…. Todo vale siempre que te guste y te enganche, ¡y no se trate de “Sofá y manting”!

RELAJACIÓN PARA MÚSICOS. TÉCNICA DE JACOBSON


sentado postura correcta
La relajación es importante practicarla cuando uno termina de actuar o de estudiar. Pero es igualmente importante saber controlarla antes e incluso durante la actuación. Si se domina con seguridad alguna técnica de relajación, se tienen muchas más posibilidades de llegar a tocar concentrado y disminuir la agitación mental que nos bloquea a la hora de hacer un examen, audición o de tocar delante de un público. Y no sólo eso, nos ayudará a controlar nuestro físico y a evitar lesiones.
Con un estado de relajación controlada en los músculos conseguimos una serie de efectos mentales y físicos: se reducen las reacciones del sistema vegetativo que nos producen los nervios y el miedo, se regula la respiración, los vasos sanguíneos se dilatan y la frecuencia cardíaca disminuye.
Existen muchos métodos relajantes. Elegir uno u otro no es tan importante como el hecho de dominar uno de ellos y utilizarlo a nuestro favor. Vamos a describir en este post la técnica de relajación muscular progresiva de Jacobson. Esta técnica se basa en la tensión y distensión de grupos de músculos con el fin de aprender a distinguir un estado y otro (contracción-relajación). Con el tiempo y la práctica, el objetivo es obtener una mayor sensibilidad a las tensiones físicas. Puedes informarte más sobre esta técnica leyendo Relajacion muscular de Jacobson.
Lo primero que debemos tener en cuenta es el entorno y el tiempo de que disponemos para la práctica de la relajación muscular progresiva. Debemos estar en un lugar tranquilo y silencioso, con espacio suficiente y disponer de un tiempo de 15 o 20 minutos como mínimo. Los ejercicios se pueden realizar sentado o tendido en el suelo. Para que nos sean más útiles los ejercicios de relajación, lo idóneo es que se hagan sentados en una silla sin respaldo (banqueta del piano por ejemplo). Como postura inicial puede elegirse entre una postura erguida o la “postura del cochero”, que tenéis en la siguiente imagen.
postura del cochero

Para realizar los ejercicios, se divide el cuerpo en dieciséis grupos de músculos:
1. Mano y antebrazo dominante
2. Bíceps dominante
3. Mano y antebrazo no dominante
4. Bíceps no dominante
5. Frente
6. Parte superior de las mejillas y nariz
7. Parte inferior de las mejillas y mandíbulas
8. Cuello y garganta
9. Pecho, hombros y parte superior de la espalda
10. Región abdominal o estomacal
11. Muslo dominante
12. Pantorrilla dominante
13. Pie dominante
14. Muslo dominante
15. Pantorrilla no dominante
16. Pie no dominante
Cada zona se tensa y se relaja, siguiendo estos pasos:
  • Mano y antebrazo dominante: Forma un puño con la mano (se empieza por la dominante, como hemos dicho en la lista anterior). Aprieta lo máximo posible los músculos, sintiendo la intensidad de la tensión. Aguanta de cinco a siete segundos. Afloja la mano. Espera unos 15 o 20 segundos y vuelve a repetir el proceso, pero esta vez haciendo una pausa de 30 o 40 segundos. Observa con mucha atención e intenta interiorizar la sensación de relajación que tienes tras la tensión.
  • Bíceps dominante: Tensa el brazo doblándolo y apretándolo contra el tórax. La mano y el antebrazo no deben estar tensos. Mismo proceso que antes, tensión 5-7 segundos, relajación 15-20 segundos y se repite, cada vez dándole más tiempo a la relajación.
  • Mano y antebrazo no dominante: Tense y relaje dos veces según las instrucciones anteriores.
  • Bíceps no dominante: Mismo proceso. Compara la sensación de tensión del bíceps con la relajación recién practicada en mano y antebrazo.
  • Frente: Tensa la frente levantando las cejas, con los mismos tiempos que en todos los ejercicios, relaja y repite.
  • Parte superior de mejillas y nariz: Cierra fuertemente los ojos y arruga la nariz. Mismo proceso que en los ejercicios anteriores, tensar y relajar, tensar y relajar.
  • Parte inferior de mejillas y mandíbula: Aprieta intensamente los dientes y baja las comisuras de los labios como si pusieras cara de pena. Haz lo mismo, tensa y relaja, y concéntrate en sentir esa relajación y entenderla.
  • Cuello y garganta: Lleva el mentón hacia el pecho y tensa la nuca. Relaja y tensa igual que antes, aguantando 5-7 segundos y aumentando los tiempos de relajación.
  • Pecho, hombros y parte superior de la espalda: Lleva los hombros hacia atrás, intenta juntar los omóplatos. Tensa los pectorales al mismo tiempo. Relaja y tensa y relaja de nuevo.
  • Abdomen: Tensa los abdominales y los lumbares. Relájate repite el proceso contando los segundos de siempre.
  • Muslo dominante: Tensa la musculatura del muslo y relájala, siguiendo siempre los mismos pasos.
  • Pantorilla dominante: Levanta el pie tensando la pantorilla y al mismo tiempo intenta vencer esa fuerza con los músculos posteriores, tensando toda la zona. Mismo proceso que en todos los ejercicios para relajar y volver a tensar.
  • Pie dominante: Extiende el pie como si estuvieras de puntillas, como una bailarina al mismo tiempo que doblas los dedos. Cuidado con los calambres al realizar este estiramiento. Relaja, tensa y relaja siguiendo los tiempos que hemos marcado.
  • Muslo, pantorilla y pie no dominantes: Mismo proceso.
Cuando acabes, quédate relajado unos minutos, observando todos los cambios que se han dado en tu cuerpo. Cuando se practica la relación muscular progresiva durante varias semanas y se le coge el truco, se pueden agrupar los músculos y hacerlo por zonas mayores. Pero es una manera de realizar la técnica más avanzada.
La técnica de Jacobson es fácil de practicar de manera autodidacta, cosa que no ocurre con otras técnicas de relajación. Se debe tener cierto cuidado en caso de lesiones, debido a la gran tensión que se provoca en cada grupo de músculos. Siempre aconsejamos consultar a un médico en ese caso.

Viva La Vida Para Orquesta de Flautas


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SÍNDROME DEL TÚNEL CARPIANO EN MÚSICOS

tunel carpiano
El síndrome del túnel carpiano puede afectar a músicos de cuerda, pianistas, arpistas, guitarristas y algunos instrumentistas de viento. Es una patología que no tiene porqué llegar a ser grave. Sin embargo, es importante, como todo, cuidarla y vigilarla para que no se convierta en algo crónico.
Si te interesan estos temas, te recomendamos leer CÓMO VIVIR SIN DOLOR SI ERES MÚSICO: Técnicas y ejercicios para alcanzar una mejor calidad musical evitando dolores y lesiones.

¿Qué es?

Es el atrapamiento del nervio mediano en la zona de la muñeca. El túnel carpiano es la zona por la que el nervio pasa en la muñeca. Si esta zona se inflama, es posible que provoque presión en el nervio, con el consiguiente dolor.

tunel carpiano

¿Qué lo causa?

En el caso de los músicos, el túnel carpiano se inflama por los movimientos repetitivos que se realizan con la muñeca al tocar o por mantener posturas de tensión por largos períodos de tiempo.

¿Cómo identificarlo?

Las lesiones en los nervios se caracterizan casi siempre por el entumecimiento de la zona afectada. Hormigueo, debilidad en los dedos afectados y un dolor intenso en los casos más graves. Si está provocado por tocar el instrumento, notaremos este dolor punzante cuando estemos estudiando. Los movimientos que vemos en la imagen son los que pueden provocarnos este dolor:
tunel carpiano

¿Cómo actuar?

Como primera medida, por supuesto, recomendamos ir al médico. Es importante que guardemos reposo, que dejemos de tocar un par de días para ver cómo va la cosa. Lo principal es reducir la inflamación de la zona que nos está presionando el nervio. Con reposo, rehabilitación y ejercicios de estiramiento podemos conseguir reducir esta inflamación. Las lesiones nerviosas pueden tardar en desaparecer aunque la causa sí que desaparezca, ya que el dolor nervioso puede perdurar. No pierdas la paciencia.

¿Cómo prevenir?

Comos siempre decimos, hay que vigilarse mientras uno estudia. Respetar los momentos de descanso entre sesión y sesión de trabajo, mirarse en el espejo, vigilar tensiones y no sobrecargarnos. Calentar antes de estudiar y trabajar para tener una musculatura fuerte que nos evite todo este tipo de lesiones.